カテゴリー: 開物成務

MWL STORE的 多様性のある「学び」シリーズ、題して：「きっかけ」

工芸と民藝はどちらも人の手で作られる品物ですが、その概念や背景には大きな違いがあります。

工芸とは

• 実用性と芸術性の両立： 工芸は、日常生活で使われる機能を持つと同時に、美的価値も追求して作られたものを指します。

• 技術と美しさ： 熟練した職人の高度な技術によって、素材の特性を活かし、装飾的な美しさを加えることが重視されます。

• 作者の存在： 名のある職人や作家が、個人の技術や感性を表現する場として捉えられることが多いです。

民藝とは

• 「民衆的工芸」の略： 大正時代に、思想家の柳宗悦（やなぎ むねよし）や陶芸家の河井寬次郎、濱田庄司らによって提唱された「民藝」という造語です。「民衆の工芸」を意味します。

• 「用の美」の発見： 民藝運動の中心的な思想は、特別な芸術品ではなく、名もなき職人たちが日々の生活のために作った、素朴で飾り気のない日用品の中にこそ、真の美しさ（「用の美」）があるというものです。

• 無銘性と複数性： 特定の作者の名前が表に出ることは少なく、大量に作られることで多くの民衆の暮らしを支えてきたものが中心です。

• 地方性・伝統性： その土地の風土や伝統的な技術、素材を用いて作られるため、それぞれの地域に根ざした独自の色や形を持っています。

主な違いのまとめ

白洲正子：「骨董」という個人的美意識の体現者

白洲正子は、戦後の荒廃の中で伝統の美について語り、日本人の誇りを守った随筆家として知られています。彼女の美意識は柳宗悦の影響を受けながらも、より個人的で感覚的なものでした。

白洲の美学の特徴：

• 骨董への愛: 五感による感覚至上の美の世界
• 直観(感でなくて)の美学: 理論より感覚を重視した美意識
• 無用の美: 実用性を超えた純粋な美の追求
• 自由な審美眼: 既成の価値観にとらわれない独自の美意識

柳宗悦：「用の美」の提唱者

一方の柳宗悦は民芸運動の父として知られ、1926年に「日本民藝美術館設立趣旨」を発表し、1928年の主著『工藝の道』で「工芸の美は健康の美」「用と美が一体」という思想を確立しました。

柳の美学の特徴：

• 無名性の美: 名もなき職人の手から生まれた日常の生活道具に見出される美しさ
• 用の美: 実用性と美しさが一体となった美の概念
• 健康の美: 自然で作為のない素朴な美しさを重視
• 仏教美学: 晩年には民芸の本質を仏教思想で解明し、他力による美を説いた
• ブルジョワジーのプロレタリアート的理解、テクノクラートの芸術賛

柳宗悦の「民藝」vs 白洲正子の「骨董」

学術研究によると、白洲正子は柳宗悦の「用の美」から出発しながらも、より個人的で感覚的な「骨董」の世界へと向かいました。これは「民芸から骨董へ」という美意識の転換として理解されています。

• 柳宗悦: 集団的・思想的な美の理論化
• 白洲正子: 個人的・感覚的な美の実践

白洲正子は時に柳宗悦の民藝論に対して批判的な立場を取ることもありました。彼女は「自らの美意識に従って、歯に衣を着せぬ主張をする」独特の持ち味を持ち、常に辛口でありながらも深い洞察を示していました。

現代への影響

二人の思想は現代の日本文化にも大きな影響を与え続けています。柳宗悦の「用の美」の思想は現代のデザイン論や工芸論の基礎となり、白洲正子の骨董に対する眼は現代の美術品鑑賞や蒐集文化の発展に寄与しています。

共通点：

• 日本の伝統美への深い愛情
• 西洋的価値観への批判的視点
• 美の実践的体現

相違点：

• 理論vs感覚
• 普遍性vs個別性
• 社会性vs個人性

柳宗悦と白洲正子は、それぞれ異なるアプローチで日本の美意識の本質を探求し、現代に至るまで多くの人々に影響を与え続けている、日本美学史における不可欠な存在なのです。

うちで年に数回ある作家さんの展示会にはこれらの視点から、偏ることなく作家さんにお声をおかけさせていただいております。それはもう始まった時からそうでした、「きっかけのきっかけ」は高山の安土草多さんと常滑の急須でした。作家さんのすべてがそうであるように、まずは日本の歴史や工芸の歴史の学びから始まっています。今店頭にある全ての作品の一つ一つには隅々までこれらの思想が息づいております。

ご一緒に勉強してまいりましょう。学びあってこその人間です、どこから、いつからでも始めることはできます。

もうそろそろホームページの形態やデザインそのものも変えたいなと流石に思います。10年もしてます。

MWL STOREの解釈としての日本の歴史と日本ならではのモノの生まれを考察していきます。

テーマは複雑な美意識

 

時代には重要な要素としての期間つまり年数があります。ただ長いだけではなくて、短くとも日本の歴史に珠玉に輝ける時代のこと。MWL STORE的にはそれはまず安土桃山の30年、そして大正の15年、大正デモクラシーってやつですね。これが実は、この時代がとてもいいのです、明治が終わって、戦争の昭和との中に挟まれていた時代、紐解いていきますとね、素敵な時代だったんだなぁってね。さ、参りましょう、私と共に大正デモクラシーの時代へ、それはまさに上野リチが生きた時代だったのです。その影響がMWL STOREの壁紙に残されています。そうあの花柄はモリスでもリバティでもなくて、日本の上野リチなのです。

でも、そこにたどり着いたのは、リチにですね、それはヨーゼフ・ホフマンだったのです私には、きっかけですね。1980年代の初めの頃に私が学んだウィーン芸術です。クリムトからホフマンまでの、つまりウィーン分離派のことですね、この創造性、芸術性の高い集団たちの虜にその時代なっていたのでした。今はそれを思い出として、数ある知見の一つとして抽出してまいります。長いよ。いっぱいあるから経験が。

前段としてあるのは、東京都庭園美術館（旧朝香宮邸）日本で最高のアール・デコ様式の建築が完全に保管されているところ。私はウィーン分離派からアール・デコに入り、そしてバウハウスに辿り着く、そしてイームズかな。でも太い幹としてのアートはウィーン分離派からのアール・デコ。

 

文献としての

「ウィーン分離派とアール・デコの関連性を考察する」第一回　by MWL STORE

アール・デコとウィーン分離派は、それぞれ異なる時代と地域で発展した芸術運動ですが、その間には明確な関連性があります。 ウィーン分離派がアール・ヌーヴォーの派生として、その後のアール・デコに大きな影響を与えたと考えられています。

 

幾何学的な様式への移行

アール・ヌーヴォーは、花や植物の曲線的なモチーフを特徴とする装飾様式でした。一方、ウィーン分離派は、その装飾性を保ちつつも、より幾何学的なデザインや直線を取り入れる傾向が強かったのです。これは、アール・ヌーヴォーの様式が発展する過程で、ウィーンという地域的な特性から生まれたもので、この幾何学的な志向が、後に登場するアール・デコの先駆とみなされています。アール・デコは、産業革命後の工業的な時代背景を反映し、シンプルで機能的な幾何学模様や直線、左右対称の構成を重視しました。ウィーン分離派の建築家やデザイナー、特にヨーゼフ・ホフマンやコロマン・モーザーらが率いたウィーン工房の作品は、アール・デコ様式に見られる直線や単純化された形態をすでに示していました。

 

総合芸術としての共通点

ウィーン分離派とアール・デコは、どちらも絵画や彫刻といった純粋芸術だけでなく、建築、家具、工芸品、ファッションなど、生活のあらゆる分野に芸術を取り入れようとする総合芸術（Gesamtkunstwerk）の思想を共有していました。ウィーン分離派は、伝統的なアカデミズムから分離し、芸術と生活の融合を目指しました。アール・デコもまた、裕福な層だけでなく大衆にも広まり、建築様式や日常的なプロダクトデザインとして世界的に流行しました。この、芸術を日常生活に浸透させようという理念は、ウィーン分離派からアール・デコへと引き継がれた重要な要素です。

 

影響と系譜

ウィーン分離派の活動は、1920年代にパリで開催された「現代装飾美術・産業美術国際博覧会」（アール・デコ博）を契機として世界的に広まったアール・デコ様式に大きな影響を与えました。アール・ヌーヴォーが衰退する中で、その装飾性を工業生産に適した形に再構築したのがアール・デコであり、その再構築の過程において、ウィーン分離派が示した直線的で幾何学的なデザインが重要なヒントとなったのです。したがって、アール・デコはウィーン分離派とアール・ヌーヴォーが持つ要素を融合し、よりモダンで洗練されたスタイルとして成立したと言えます。

ブログは多岐に渡りますので、次回をお楽しみに。

いか、その時代に創られたもの、ファッション

上野伊三郎は、祖父の代まで京都の宮大工であった上野工務店の経営者の長男として生まれました。宮大工の修行を行うも、伝統的な技術の習得には飽きたらず、早稲田大学理工学部建築学科にすすみました。卒業後、1922年から4年間、ベルリンとウィーンに留学し、ベルリンでは構造学を、ウィーンでは振動学を学んだといわれ、ウィーン工房を主宰していたヨーゼフ・ホフマンの建築事務所に勤務します。上野伊三郎のウィーンでの活動は謎に包まれたままですが、1925年にリチと出会い、結婚しました。

　　2009年に行った時のフライヤーから。

アールヌーボー→アールデコ→ミュンヘン分離派→ウィーン分離派→ウィーン工房→バウハウス→チャールズ＆レイ・イームズ→アイクラーホームズ　クラッシックからモダニズムそしてモダンさらに量産モダニズムへ。世紀末から大戦後の高度成長までのデザインの系譜である。これをデザインの枝葉を引用しながら学ぶことでほとんどの現代デザインは理解できる。

個人の成長や企業人の成長にアドバイザーやコーチングは不可欠である。社内では無理だ。優れた事業にするためには、なぜか、知らないを知ることからしか気付きやゼロイチなど生まれないからで、それには膨大な量で蓄積されている人から直接聞くのが一番早い。謙虚な個人にである。上からでなくである。年齢じゃなく、気付いた時に着手することが20年も経てば大きな結果になっている。気づけばあっという間である。だから今着手することである。個人でも企業でもである、個人店でもである。

上野リチ、その偉大な功績足跡

金沢に移転した国立工芸館の移転の意味など、白洲正子さんの周辺を辿ると見えてくる。

そして、やはり奈良なのだということも、日本の大事なものはほとんど奈良にある。

東大寺の大仏さんと二月堂、好きですワ。

正子んちで買った日本タオル、さっそく。

襟をただそう、店にあるあらゆるモノの目利きの目を。

これは買わんとね、正子を持って鶴川の武相荘に夏休み〜♪ やね。芸術新潮♫ほんまにセンスえーわ。新潮社サイコ　さぁ、勉強の夏や

故郷から送られてきた、嬉しい。

作家の想いが渾身に入り込む花瓶。この詳細の細部を見ていけば、どれほどの絵筆を駆使して色を駆使してこの作品に向かったろうと思う。そしてただ絵を載せるだけでなく、凸凹がある、造形の膨らみが随所にみれて、それが単なる絵筆だけのものでない凄みに至るのです。そして絵を通じて感じる全体のバランスの良さ、それは他作品全体にも言えて、ありきたりな表現と隔世しているレベル。

どうしてこの花瓶ができたのだろう、サイズといい、色、全方角から見ても魅力的な構図ばかりが描かれている。あぁ出会ってしまっている、すでに。

とても高い創造性を有しながらも、価格は「中庸のプレミアム」であること。そこが魅了されるポイントであります。僭越ながら、私がいろんな製品に求めて来た理論の集大成でありまして、一冊書けます。川合孝知さんのLike No Other 具合は私にとっての あまりにSuperstar。これからの更にの川合孝知さんの多岐な可能性に思いを馳せて。ほんとうにありがとうございます。3年などあっという間でした。横浜に相応しい作品にお越しいただいています。